Collezione Giuseppe Iannaccone


Estorick Collection of Modern Italian Art London | A New Figurative Art 1920-1945 | Works from Collezione Giuseppe Iannaccone

Since the early 1990s, Milanese lawyer Giuseppe Iannaccone has been amassing one of the most outstanding private collections of Italian art from the inter-war years. For the first time, 50 key works from the collection will be coming to the UK and will be shown at London’s Estorick Collection of Modern Italian Art. A New Figurative Art 1920-1945: Works from the Giuseppe Iannaccone Collection will run from 26 September to 23 December 2018. 

Presenting a large number of iconic works, this exhibition explores a crucial phase of Italian art history that remains little-known outside its native country. It testifies not only to one man’s enduring passion for a period that continues to fascinate him, but also to the determination of a number of important painters to reassert their values of humanity and poetry in the face of militarism, nationalism and totalitarianism. 

Having become fascinated with figurative painting of the 1930s, Iannaccone set about building a collection that has brought together works by some of the most significant artists belonging to such influential schools and tendencies as the Scuola di Via Cavour (Mario Mafai, Antonietta Raphaël and Scipione), the Sei di Torino (Gigi Chessa, Nicola Galante, Carlo Levi and Francesco Menzio) and Corrente (Arnaldo Badodi, Renato Birolli, Bruno Cassinari, Giuseppe Migneco, Ennio Morlotti, Aligi Sassu, Ernesto Treccani, Italo Valenti and Emilio Vedova). A number of other painters are also represented in the collection, which includes major pieces by Filippo de Pisis, Fausto Pirandello and Ottone Rosai, and a rare figurative sculpture by Lucio Fontana. Including works by all of these artists (as well as a range of other figures such as Renato Guttuso and Alberto Ziveri), the exhibition will provide an authoritative overview of a key moment in the evolution of modern Italian art. 

Notes to Editors 

About the Estorick Collection 

The Estorick Collection of Modern Italian Art is internationally renowned for its core of Futurist works. It comprises some 120 paintings, drawings, watercolours, prints and sculptures by many of the most prominent Italian artists of the modernist era. There are six galleries, two of which are used for temporary exhibitions. Since opening in 1998, the Estorick has established a reputation and gained critical acclaim as a key venue for bringing Italian art to the British public. 

More information about the Collezione Giuseppe Iannaccone can be found at 

Listings Information 

Estorick Collection of Modern Italian Art, 39a Canonbury Square, London N1 2AN 

T: +44 (0)20 7704 9522 E: 

Twitter / @Estorick / estorickcollection / estorickcollection 

Opening Hours 

Wednesdays-Saturdays 11.00-18.00, Sundays 12.00-17.00 

Closed Mondays & Tuesdays 

Admission: £6.50, Concs £4.50. 

Includes entry to exhibition and permanent collection. 

Transport: Tube/Rail: Highbury & Islington (Victoria Line / London Overground / Great Northern); Essex Road (Great Northern) 

For further press information, please contact Alison Wright Alison Wright E: 

T: +44 (0)1608 646 175 or M: +44 (0)7814 796 930 

A New Figurative Art 1920-1945

Works from the Giuseppe Iannaccone Collection

Tuesday 25 September 2018 | 6.00 – 8.30 p.m.

Please bring this invitation with you

Admits Two

Mandatory RSVP by 21 September

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Estorick Collection of Modern Italian Art,

39a Canonbury Square, London N1 2AN

T: +44 (0) 20 7704 9522 E:

Twitter / @Estorick / estorickcollection / estorickcollection

Orari di apertura

Mercoledì, sabato, dalle 11:00 alle 18:00, domenica dalle 12:00 alle 17:00

Chiuso il lunedì e il martedì

Ingresso: £ 6,50, ridotto: £ 4,50.

Include l’ingresso alla mostra e alla collezione permanente.

Trasporti: metropolitana / treno: Highbury & Islington (Victoria Line / London Overground / Great Northern); Essex Road (Great Northern)



Saturday 14 April 2018, on occasion of the twenty- third edition of miart – the Milan international exhibition of modern and contemporary art, the fifth event of the project IN PRATICA, is to be inaugurated. This cycle of exhibitions is hosted by lawyer Giuseppe Iannaccone, featured among a part of his personal collection of contemporary art, and set within a dedicated area of his legal firm. Following the introduction of artists Davide Monaldi, Luca De Leva, Andrea Romano e Beatrice Marchi, IN PRATICA will present, a continuous comparison between the works of established international artists and those of talented, yet still unknown, emerging artists invited to the event to create site-specific projects.

Saturday 14 April, a collective exhibition of TEN YOUNG ALBANIAN ARTISTS in COLLABORATION WITH ART HOUSE SCHOOL is open to the public for a special visit EX GRATIA.  The event is an idea developed by Giuseppe Iannaccone, curated by Adrian Pacia and Rischa Paterlini, with the special collaboration of Prof. Zef Paci.

For the Miart 2018 event, Mr Giuseppe Iannaccone has chosen to dedicate  IN PRATICA #5 to a special project which introduces Italy to works generously created, by Adrian and Melisa Paci in Scutari, Albania: or rather a school for artists.  “What inspired me – writes Mr Iannaccone – was that act of generosity that you, Adrian, have shown towards your home city of Scutari and towards Albanian artists: thanks to Art House School you have provided ten artists with the opportunity to meet, share and discuss their work and experiences, while asking for nothing in return. You have given them the occasion to have hands on experiences with curators and international critics”.

Art House is “A place” – says Adrian Paci – “that allows the movement of ideas, where a private home opens up to the local community and where the community of a small city exchange intellectual and cultural contributions of the great world of art, whilst also maintaining the intimacy and closeness of the relationship”.

The works of the ten featured artists of the Art House School 2017, are positioned within the dedicated areas of the legal firm, and set among the works of the Collezione Iannaccone, which have been rearranged for the occasion.

“Never before” – writes Giuseppe Iannaccone – “had I imagined that one day I would have invited ten artists to expose their work, contemporarily. However, now that I look at them together, I notice once again that when artists are able to reach within and touch the depths of man, a miracle occurs. Marc Quinn’s moving beauty of disability seems to speak the same language of love as Alketa Ramaj’s video. The images of young Brazilians portrayed by Jetmir Idrizi recall the same search for sexual identity illustrated in the photographic shots of Nan Goldin; Stefano Romano’s photographs of fleeting actions communicate with the solid figures of Massimo Bartolini; the gaze on the face captured by Silva Agostini recalls the gaze trapped within the works of Dana Schutz. The neon red in Remijon Pronja’s photographs seems to contradict the sense of intimate domesticity found also within the works of Paola Pivi; the delicacy of Bora Baboçi’s drawings reappears in those created by Andrea Romano; the representations of pagan or Christian Gods by Alket Frashëri are in agreeance with the pantheon of deities. The mythological heroes of Luigi Ontani; the landscapes of Lek M Gjeloshi are reminiscent of those of Hernan Bas; Iva Lulashi’s painting is confronted  with that of Borremans; the introspective drawings of Fatlum Doçi are similar to the dreamlike landscapes  of Indian artists, such as Atul Dodiya.”

The idea of this project is thoroughly explained in the precious volume, which accompanies the exhibition, edited by Mousse Publishing, in Italian, English and Albanian. The edition contains images of the works of the artists that have resided at the Art House, as well as a collection of conversations between Adrian, Zef Paci and the ten artists at the centre of the exhibition. There is also a special story about the journey undertaken by the curator of the collection at the Paci residence.

The exhibition was created with the patronage of the Albanian Ministry of Culture and thanks to the contribution of Kooness for the audio and video material,  Massimo Romanò for the frames and Open Care – art services, FARE and ARKA for the hospitality given to the artists , all of whom will be present on the day of the inauguration.

Opening Saturday 14 April. By invitation and booking only. Bookings are obligatory and may be made at the following address:

List of contributing artists IN PRATICA #5

Silva Agostini, Bora Baboçi, Fatlum Doçi, Lek M Gjeloshi, Jetmir Idrizi, Iva Lulashi, Alket Frashëri, Remijon Pronja, Alketa  Ramaj e Stefano Romano


Art House is a project created by Adrian and Melisa Paci that aims to bring the presence, the ideas and contributions of international figures of the world of contemporary art to Scutari, their native city in Albania. The initiative came to life and developed, within the walls of Adrian’s family home, situated in the historical quarters of the city. This nonconventional choice of setting was conceived to create the ideal setting for meetings and debates between artists, scholars, writers and art lovers, where issues and problems regarding art can be discussed in an intimate and informal ambient, conducive to communication. Through this initiative, Art House aspires to increase the accessibility of the artistic experience, offering an alternative to the widespread convictions of the market and the institutional rhetoric. The project also aims to decentralise Albanian cultural life, which for many years has seen the capital city of Tirana as the sole location of artistic activity.


Collezione Giuseppe Iannaccone in collaborazione con Art House presenta: EX GRATIA

Sabato 14 aprile 2018, in occasione della ventitreesima edizione di miart – fiera internazionale d’arte moderna e contemporanea di Milano – inaugura il quinto appuntamento del progetto IN PRATICA, un ciclo di mostre ospitate nello studio legale dell’ avvocato Giuseppe Iannaccone, negli spazi in cui è conservata parte della sua raccolta di arte moderna e contemporanea. Dopo la presentazione degli artisti Davide Monaldi, Luca De Leva, Andrea Romano e Beatrice Marchi IN PRATICA prosegue nel suo intento di proporre, attraverso il susseguirsi di piccole mostre, un continuo confronto tra le opere degli artisti già consacrati nel panorama internazionale presenti in Collezione e quelle di artisti emergenti di talento, anche se ancora sconosciuti al grande pubblico, invitati per l’occasione a concepire progetti site-specific.

Sabato 14 aprile apre al pubblico per una visita speciale dello studio EX GRATIA, una mostra collettiva di DIECI GIOVANI ARTISTI ALBANESI in collaborazione con ART HOUSE SCHOOL, nata da un’idea di Giuseppe Iannaccone, curata da Adrian Paci e Rischa Paterlini, con la speciale collaborazione del Prof. Zef Paci.

In occasione di Miart 2018, l’avvocato Giuseppe Iannaccone ha deciso di dedicare IN PRATICA #5 ad un progetto speciale con l’intento di far conoscere in Italia il lavoro realizzato con generosità da Adrian e Melisa Paci a Scutari, in Albania: ovvero una scuola per artisti. “Ciò che mi ha ispirato” – scrive Giuseppe Iannaccone – “è stato il gesto di generosità che tu, Adrian, hai compiuto verso la tua città natale, Scutari, e verso gli artisti albanesi: grazie ad Art House School hai infatti permesso a dieci di loro di incontrarsi e far si che potessero condividere le loro esperienze e discutere del loro lavoro, senza chiedere nulla in cambio, dandogli semplicemente l’opportunità di vivere a contatto con curatori e critici di livello internazionale”.

Art House è “Un luogo” – dice Adrian Paci – “che rende possibile il transito delle idee dove una casa privata si apre alla comunità della propria città e dove la comunità di una piccola città entra in dialogo con contributi intellettuali e culturali del grande  mondo dell’arte senza perdere l’intimità e la natura ravvicinata del rapporto”.

Negli spazi dello studio legale, tra le opere della Collezione Iannaccone riallestite per questo appuntamento, trovano quindi collocazione i lavori dei dieci artisti protagonisti di Art House School edizione 2017.

“Mai prima d’ora” – scrive Giuseppe Iannaccone –  “immaginavo che un giorno avrei invitato contemporaneamente dieci artisti ad esporre le proprie opere, eppure adesso che le guardo tutte assieme mi accorgo ancora una volta che quando gli artisti sanno toccare le corde più intime dell’uomo, accade quasi un miracolo. La commovente bellezza dell’handicap di Marc Quinn sembra parlare lo stesso linguaggio d’amore del video di Alketa Ramaj. Le immagini dei ragazzi brasiliani ritratti da Jetmir Idrizi rimandano alla stessa ricerca attorno all’identità sessuale proposta dagli scatti di Nan Goldin; le fotografie tratte dalle azioni effimere di Stefano Romano dialogano con le salde figure di Massimo Bartolini; lo sguardo del volto catturato da Silva Agostini richiama quello intrappolato nell’opera di Dana Schutz. Il neon rosso nella foto di Remijon Pronja sembra contraddire il senso d’intimità domestica che si ritrova anche nelle opere di Paola Pivi; la delicatezza dei disegni di Bora Baboçi riappare in quelli realizzati da Andrea Romano; le rappresentazioni del divino pagano o cristiano di Alket Frashëri si accordano al pantheon di divinit. ed eroi mitologici di Luigi Ontani; i paesaggi di Lek M Gjeloshi ricordano quelli di Hernan Bas; la pittura di Iva Lulashi si confronta con quella di Borremans; i disegni sognanti di Fatlum Doçi ricordano il paesaggio onirico di artisti indiani come Atul Dodiya.”

L’idea di questo progetto viene ben raccontato nel prezioso volume che accompagna la mostra, edito da Mousse Publishing, in lingua italiana, inglese e albanese in cui, oltre alle immagini delle opere e degli artisti che hanno vissuto in residenza ad Art house, vi sono raccolte una conversazione tra Adrian, Zef Paci e i dieci artisti protagonisti della mostra, e uno speciale racconto del viaggio intrapreso dalla curatrice della collezione nella residenza dei Paci.

La mostra è stata realizzata con il patrocinio del Ministero della Cultura Albanese e grazie al contributo di Kooness per i materiali audio e video, di Romanò cornici di Massimo Romanò per le cornici e di Open Care – servizi per l’arte, FARE e ARKA per l’ospitalità agli artisti che saranno tutti presenti il giorno dell’inaugurazione.

Opening sabato 14 aprile solo su invito e prenotazione.

Prenotazione sempre obbligatoria all’indirizzo:

Elenco degli artisti protagonisti di IN PRATICA #5

Silva Agostini, Bora Baboçi, Fatlum Doçi, Lek M Gjeloshi, Jetmir Idrizi, Iva Lulashi, Alket Frashëri, Remijon Pronja, Alketa  Ramaj e Stefano Romano


Art House è un progetto di Adrian e Melisa Paci che mira a portare nella loro città natale in Albania, Scutari, la presenza, le idee e i contributi di figure internazionali dell’arte contemporanea, attraverso una serie di mostre, workshop e conversazioni. L’iniziativa prende vita e si sviluppa nella casa natale di Adrian, situata nel quartiere storico della città, concepita come un luogo non convenzionale di incontri e dibattiti tra artisti, studiosi, scrittori e amanti dell’arte, dove temi e problematiche dell’arte contemporanea possano essere affrontati in una dimensione intima, informale, che aiuta la comunicazione. Attraverso questa iniziativa Art House intende promuovere l’accessibilità dell’esperienza artistica, offrendo un’alternativa alle logiche dilaganti del mercato e alla retorica istituzionale. Il progetto mira anche a contribuire al decentramento della vita culturale albanese, che per molti anni ha visto la capitale Tirana come unico luogo designato ad attività artistiche.


Oltre 30 opere per oltre 30 artisti da 17 paesi: questi i numeri dell’importante mostra, a cura di Demetrio Paparoni, che si terrà alla Fondazione Stelline dal 16 novembre al 25 febbraio 2018. 

Una grande esposizione internazionale:  la prima in Italia interamente incentrata sulle nuove tendenze della pittura figurativa contemporanea. 

Alla Fondazione Stelline prosegue la stagione autunnale con un omaggio all’arte figurativa, confermandosi come uno dei punti di riferimento in Città per la valorizzazione dell’arte contemporanea. Dal 16 novembre 2017 al 25 febbraio 2018 si terrà Le Nuove Frontiere della Pittura, una mostra importante che la Fondazione ha prodotto e realizzato a cura di Demetrio Paparoni, uno dei più riconosciuti critici e curatori italiani.

Le Nuove Frontiere della Pittura presenta al pubblico italiano opere di Francis Alÿs, Michaël Borremans, Kevin Cosgrove, Jules de Balincourt, Lars Elling, Inka Essenhigh, Laurent Grasso, Li Songsong, Liu Xiaodong, Victor Man, Margherita Manzelli, Rafael Megall, Justin Mortimer, Paulina Olowska, Alessandro Pessoli, Daniel Pitín, Pietro Roccasalva, Nicola Samorì, Wilhelm Sasnal, Markus Schinwald, David Schnell, Dana Schutz, Vibeke Slyngstad, Anj Smith, Nguyê˜n Thái Tuâ´n, Natee Utarit, Ronald Ventura, Nicola Verlato, Sophie von Hellermann, Ruprecht von Kaufmann, Wang Guangyi, Matthias Weischer, Yue Minjun, Zhang Huan.


Giovanni Iudice – Il rumore del mare – Firenze, 20 giugno 2017 – Palazzo Medici-Riccardi – 6 p.m.

La Milanesiana, giunta al suo diciottesimo anno di età  – durerà 22 giorni, con 55 eventi e 140 ospiti –  si conferma una finestra aperta sul mondo della letteratura, della musica, del cinema, della filosofia, del teatro, dell’arte figurativa, della scienza, dell’economia. L’arte della Milanesiana si snoda in questa edizione lungo diverse mostre tra cui quella a Firenze a cura di Giuseppe Iannaccone sull’artista Giovanni Iudice. La mostra fortemente voluta dall’ideatrice della Milanesiana, Elisabetta Sgarbi – affermata editrice e cineasta –  racconterà, attraverso numerose opere,  i clandestini nel mare di Sicilia di cui Giovanni Iudice ha saputo per primo coglierne i drammi attraverso una pittura umanamente reale.




a cura di Giuseppe Iannaccone



Giovanni Iudice, Giuseppe Iannaccone, Vittorio Sgarbi, Pietro Bartolo, Gianpaolo Donzelli, Crocifisso Dentello

la mostra sarà aperta al pubblico fino al 12 luglio 2017


La mostra è un progetto dello scenografo Luca Volpatti,  Fondazione Meyer, Icaro Ecology e CiaccioArte.

per maggiori informazioni visita il sito:

LA MILANESIANA 2017_programma

LA MILANESIANA 2017_comunicato stampa

Invito La Milanesiana – Firenze 20 giugno

Collezione da Tiffany ha parlato di noi

Catalog for the Exhibition: ITALIA 1920 – 1945 Da de Pisis a Guttuso Da Sassu a Vedova La Collezione Giuseppe Iannaccone

Download here the Catalog for the exhibition (only italian version):

ITALIA 1920 – 1945

Da de Pisis a Guttuso Da Sassu a Vedova

La Collezione Giuseppe Iannaccone

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Collezione Giuseppe Iannaccone. Italia 1920-1945. A new figuration and narrative of the self

La Triennale di Milano and Giuseppe Iannaccone
are pleased to announce

ITALY 1920-1945


Curated by Alberto Salvadori and Rischa Paterlini

Promoted by Fondazione Triennale di Milano and Giuseppe Iannaccone
Triennale Artistic Director of Visual Arts Edoardo Bonaspetti

La Triennale di Milano

1 February – 19 March 2017

The Triennale di Milano and Giuseppe Iannaccone are pleased to announce Italy 1920 to 1945. A new figuration and narrative of the self, an exhibition curated by Alberto Salvadori and Rischa Paterlini – curator of Collezione Giuseppe Iannaccone. The exhibition is promoted by Milan Triennale Foundation and Giuseppe Iannaccone, and is part of the Visual Arts program of the Trienniale, directed by Edoardo Bonaspetti.

The exhibition, open to the public from 1 February until 19 March 2017 will unveil, for the first time, a selection of 96 works dating between 1920 and 1945 from the Giuseppe Iannaccone private collection. These chosen works were acquired and personally selected by the collector.

Special opening of the collection

Apertura straordinaria
Solo su prenotazione, fino a esaurimento posti
Informazioni e prenotazioni


La Collezione Giuseppe Iannaccone apre le porte per presentare un nuovo allestimento della raccolta d’arte contemporanea, in cui saranno visibili le recenti acquisizioni e la seconda mostra del progetto IN PRATICA, un ciclo di appuntamenti a cura di Rischa Paterlini ospitati nello studio legale dell’avvocato Giuseppe Iannaccone. Oltre alla collezione permanente sarà quindi possibile visitare la mostra “Cavalli e Madonne. Sentimentalmente ispirato a Arnaldo Badodi”, personale del giovane artista Luca De Leva (Milano, 1986), che, confrontandosi con la collezione, presenta una nuova serie di opere – disegni e sculture – appositamente realizzate  e nate dall’amore a prima vista per le opere di un altro artista presente in collezione: Arnaldo Badodi.

The New Museum will present the first New York survey show of the work of Nicole Eisenman 05/04/16 – 06/26/16


The exhibition is curated by Helga Christoffersen, Assistant Curator, and Massimiliano Gioni, Artistic Director.

One of the most important painters of her generation, Eisenman has developed a distinct figurative language that combines the imaginative with the lucid, the absurd with the banal, and the stereotypical with the countercultural and queer. In her narrative compositions she draws as much from art history as from popular culture, making way for accessible and humorous, yet also critical and poignant images of contemporary life. Gathering a body of work produced over the last two decades, “Al-ugh-ories” pays special attention to the symbolic nature of her depictions of individuals and groups and highlights how the allegorical permeates her oeuvre and fluidly ties the fictional to the autobiographical. Considering Eisenman’s dedication to the history of painting and the ways in which she references artists as diverse as Giotto, Francisco de Goya, Paul Cézanne, Pablo Picasso, and Edvard Munch, the show will also underline how her approach to painting involves a deliberate attempt to counter accepted historical hierarchies through wit and irreverence. Her preoccupation with the figure and the complexity of its gestures and form has in recent years also resulted in a number of large-scale plaster sculptures, a selection of which will be included in this show. With proportions that exceed human scale, these bodies—like those in Eisenman’s paintings—act out familiar everyday occurrences such as eating, sleeping, walking, or making love, while also exposing human desire to be equally raw and awkward.

Nicole Eisenman was born in Verdun, France, in 1965 and lives and works in New York. In 2014 the Contemporary Art Museum, St. Louis mounted a major exhibition of her work, “Dear Nemesis, Nicole Eisenman 1993–2013,” which traveled to the Institute of Contemporary Art, Philadelphia, in late 2014 and the Museum of Contemporary Art San Diego in 2015. Additional solo presentations of her work have taken place at the Jewish Museum, New York (2015); the Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, CA (2013); Studio Voltaire, London (2012); the Katzen Arts Center, American University, Washington, DC (2011); the Frances Young Tang Teaching Museum and Art Gallery, Skidmore College, Saratoga Springs, NY (2009); and Kunsthalle Zürich (2007). Her work was included in Manifesta 10, St. Petersburg (2014); the 2013 Carnegie International, Pittsburgh; the Whitney Biennial, New York (2012 and 1995); and Prospect.2 New Orleans (2011). Eisenman’s work has been featured in numerous recent group exhibitions at institutions including the Whitney Museum of American Art, New York (2015); the Museum of Modern Art, New York (2014); the Reva and David Logan Center for the Arts, University of Chicago (2014); Contemporary Arts Museum Houston (2014); the New Museum, New York (2013); and the San Francisco Museum of Modern Art (2011). In 2015, Eisenman was awarded a MacArthur Fellowship.

Paola Pivi in Triennale per “Ennesima”

Una mostra di sette mostre sull’arte italiana
A cura di Vincenzo de Bellis
Direzione artistica: Edoardo Bonaspetti, Curatore Triennale Arte

Dal 26 novembre 2015 al 6 marzo 2016 la Triennale di Milano presenta Ennesima. Una mostra di sette mostre sull’arte italiana, a cura di Vincenzo de Bellis: una mostra di mostre che raccoglierà  più di centoventi opere di oltre settanta artisti con un allestimento che si estenderà  sull’intero primo piano della Triennale  proponendo una possibile lettura degli ultimi cinquanta anni di arte contemporanea in Italia, dall’ inizio degli anni Sessanta ai giorni nostri.

Il titolo prende ispirazione da un’opera di Giulio Paolini, Ennesima (appunti per la descrizione di sette tele datate 1973), la cui prima versione, del 1973, suddivisa in sette tele. Da qui il numero di progetti espositivi in cui si articola la mostra di de Bellis per la Triennale: sette mostre autonome, intese come appunti o suggerimenti, che cercano di esplorare differenti aspetti, collegamenti, coincidenze e discrepanze della recente vicenda storico-artistica italiana. Sette ipotesi di lavoro grazie alle quali leggere, rileggere e raccontare l’arte italiana anche attraverso l’analisi di alcuni dei formati espositivi possibili: dalla mostra personale all’installazione site-specific, dalla collettiva tematica alla collettiva cronologica, dalla collettiva su uno specifico movimento alla collettiva su un medium fino alla mostra di documentazione. Non un unico progetto che cerchi a tutti i costi connessioni tematiche o stilistiche, cronologiche o generazionali, bensì una piattaforma che prova a ipotizzare la compresenza di questi formati e di altri possibili, per raccontare uno spaccato degli ultimi cinquant’anni di produzione artistica.

Sette tentativi, sette suggerimenti, sette possibili analisi e interpretazioni dell’arte italiana contemporanea. In questo modo Ennesima privilegia alla visione univoca delle prospettive multiple che, come tali, nella loro parzialità , possono essere considerate un campionario di approcci diversi dell’arte contemporanea. Gli spazi del primo piano della Triennale verranno quindi suddivisi in sette stanze attraverso le quali, secondo un percorso preciso, il visitatore sarà  guidato alla scoperta delle sette mostre, che potranno così essere percepite come autonome e autosufficienti ma anche come parte di una visione più ampia che le comprende tutte. Un itinerario a tappe che ripercorrerà  periodi, climi e movimenti, accostando maestri riconosciuti e personalità  storiche ad artisti mid-career che hanno fatto il loro esordio tra gli anni Novanta e i primi Duemila, passando per altri che si sono invece affermati a metà  degli anni Duemila, per concludere con una folta presenza di artisti delle generazioni più recenti.

Partendo da questa sua natura plurale, il progetto si configura come un affresco composito del sistema contemporaneo italiano nelle sue diverse specificità . Nell’idea di far convergere all’interno della mostra tutti i filoni di ricerca operati sull’arte italiana degli ultimi cinquant’anni, Ennesima comprenderà  anche un programma pubblico di video screening, performance, conferenze e talk legati ai temi della mostra, che coinvolgerà , tra le altre, anche le esperienze editoriali  case editrici e magazine che rappresentano uno degli aspetti più interessanti del sistema dell’arte italiano dell’ultimo decennio.

Ennesima sarà  accompagnata da una pubblicazione in sette libri edita da Mousse Publishing che rispecchierà  la divisione in sette parti della mostra e che sarà  arricchita da più di venti contributi di curatori e critici italiani delle ultime generazioni tra i trentacinque e i quarantacinque anni  che negli ultimi anni si sono distinti sia a livello nazionale che internazionale.

“Michael Borremans” al CAC Malaga

CAC Malaga presents the first exhibition in Spain of work by Michael Borremans (1963, Geraardsbergen, Belgium), one of the most outstanding artists on the contemporary art scene. The show, which takes its title from one of the works on display, Fixture, features 35 paintings produced in the last 15 years. Selected in close collaboration with the artist, the works provide a window into a personal and unsettling visual world populated with still lifes and close-ups of human figures painted in sombre shades.

Borremans, who lives and works in Ghent, is also acclaimed for his drawings and films and cuts an extraordinary figure: he plays a guitar (he used to be a member of the experimental band The Singing Painters), always wears his best suit when painting, and never works on white paper. Trained in the art of engravement, for a number of years he taught and practised etching and drawing, and has only dedicated himself exclusively to painting since the late 1990s, when he began to exhibit his drawings and paintings and made a name for himself on the international scene.

In keeping with the tradition of the Old Masters, he paints with a firm stroke, a limited palette and a superb command of his technique. Fascinated by the Spanish Baroque, he considers Velázquez to be his great teacher, although Bruegel, Goya, Rubens, Rembrandt, Fragonard, Watteau, Chardin, Manet and Surrealism have influenced him as well. He is also interested in film (he admires the work of David Lynch and Stanley Kubrick) and photography (his grandfather was a photogra- pher). In his earliest paintings he painted from photographs that he took out of books, magazines or off the internet, images that he manipulated, but later, he began to stage scenes, incorporating models, that he photographs and then transfers to his paintings.

I don’t see myself as pure painter, but I use the medium because it’s the most suitable for me to create a specific kind of picture. It would also be possible in the medium of photography and with the assistance of digital techniques, but I just find painting more interesting. A painting is an object of complex character, and because of the historical dimension it is impossible to treat it impartially, the artist states.

At the same time his works provoke sensations that can be quite contradictory, such as fascination, irritation, tranquillity, beauty, sadness, mystery, reality and fantasy. Borremans invents ambiguous, strange visual worlds that trigger reflections about the absurdity of human existence, but in an ironic way. They are worlds full of contradictions. Although he uses the portrait format in his works, he does not create true portraits. For this artist the subject is always an object, not the representation of a living thing, which is why his characters never look at us directly. It doesn’t matter who the figures are or what exactly they are doing in his pictures. Be they close-ups, alone or part of a group, they are like mannequins or statues, standing, sitting or reclining, that work or manipulate objects, because for Borremans they are archetypes, universal symbols that inhabit familiar yet vague, strange spaces. As he says, “With the paintings, at first you expect a narrative, because the figures are familiar. But then you see that some parts of the paintings don’t match, or don’t make sense. The works don’t come to a conclusion in the way we expect them to. The images are unfinished: they remain open. That makes them durable.

The small size of most of his paintings does not only challenge conventional standards, but miniaturises the subjects highlighting the artificiality of representa- tion. But when demanded by the theme, he resorts to much larger dimensions, to a scale as in the religious paintings evokes a certain mystery. A case in point is The Angel, 2013, in which the figure’s face is painted black. We do not know what is really happening in his works, and therein lies part of their appeal. The figures have a psychological depth that is conveyed by their clothes or the actions, occasionally absurd, that they are performing. Sometimes his works evidence a certain violence, like the figure in The Villain, 2003, who is making a bomb. Hands are recurring motif, as we see in Red Hand, Green Hand, 2010, an image open to multiple interpreta- tions, and The Egg IV, 2012. Meanwhile, The Resemblance, 2006, explores the medium of painting.

Borremans paintings but also drawings  which reflect a more surreal vision of the world “and films beautiful, painterly representations of slow-motion images ” compel the spectator to consider the philosophical nature of painting and its infinite possibilities, what it represents and symbolises, how it is interpreted and what it means. A very simple image can challenge many things. His works are ambiguous, open, quite mysterious, and intriguing like a riddle that the visitor has to solve.